Come I Coach Actors

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Molte strategie e tattiche che uso negli allenatori possono essere utili a coach di ogni tipo, nonché a consulenti, manager e leader.

Queste idee possono anche essere utili a chiunque debba tenere un discorso, anche una breve presentazione a una riunione dello staff o un brindisi al matrimonio di un amico.

Ecco i miei principi e le mie tecniche più importanti.

Calcola la tolleranza dell'attore per la quantità di input. Alcuni attori bramano molto input e persino critiche. Altri rapidamente si sarebbero scoraggiati. State attenti a come reagiscono al feedback e adeguatevi di conseguenza.

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Misuri la loro tolleranza per l'intensità. In un mondo ideale, l'attore vorrebbe trascorrere l'intera sessione di coaching lavorando su ciò che è difficile ma necessario. Ma molti attori hanno bisogno di attenuarsi, ad esempio, alternando duramente con parti facili più un sacco di battute intervallate durante la lezione o le prove.

Dai il permesso di essere pienamente espressivo. Nella vita reale, ci si aspetta che siano limitati. Quindi, gli attori potrebbero aver bisogno del permesso di essere pienamente espressivi nella voce e nel corpo come è appropriato per il loro carattere.

Costruisci un personaggio. La prima cosa nella preparazione per un'audizione o un ruolo è sentire come deve essere quel personaggio. La sceneggiatura ci dice molto, ma c'è spazio per l'attore, con la guida dell'allenatore, per fare delle scelte che renderebbero il personaggio memorabile.

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E la memorabilità è la chiave, anche in un piccolo ruolo. Non è sufficiente che il pubblico si colleghi al personaggio quando è sul palco. L'obiettivo dovrebbe essere che dopo l'esibizione, forse molto tempo dopo, quel personaggio resti nella memoria – una fonte di gioia, tristezza o meditazione.

Per aiutare il mio attore a costruire un personaggio memorabile, spesso inizio chiedendo a lui o lei di leggere la sua parte e poi di scrivere una biografia emotiva di una pagina del personaggio. Poi potrei chiedere all'attrice di immaginare quale animale si adatti meglio al personaggio: un giovane leopardo, un vecchio golden retriever, qualsiasi cosa. La fisicità può guidare reazioni autentiche.

Da lì, in genere, chiedo: "Come potrebbe questo personaggio fare il suo primo ingresso in modo da essere memorabile: come si muoverà? Tieni? Parlare? Respirare?"

Una volta stabilito il fondamento per il personaggio, può cambiare da lì – La maggior parte dei personaggi nella maggior parte degli script cambia durante il gioco. I personaggi sono molto più interessanti se cambiano, per esempio, cadono a pezzi e poi crescono, crescono, si disgregano e crescono a un'altezza ancora maggiore.

Costruisci sui punti di forza. Ad esempio, se il mio attore emula facilmente, di solito incoraggerò lui o lei a costruire un personaggio che emula molto. Altrimenti, farò in modo che creino il loro personaggio per essere uno che trattiene i suoi sentimenti- Deve sentire le emozioni ma non costringerle a essere apparenti o leggere come false.

Predefinito alla loro personalità naturale. Persino molti attori professionisti giocano principalmente il loro sé nella vita reale: questo è il modo più semplice per essere autentici. È molto più difficile creare un personaggio molto diverso dal tuo sé naturale.

Nessuna recitazione Solo reagendo . Cercando di agire triste, felice, divertente, qualunque cosa apparirà falso. Il tuo compito è reagire a tutto ciò che viene detto e avviene sul palco. Significa semplicemente essere pienamente presenti. L'unica differenza è che nel teatro dal vivo, per il pubblico che si trova oltre le prime file a sperimentarti, devi amplificare leggermente le tue reazioni naturali. Ma troppo e sembrerà fasullo, persino in una farsa.

Solo come ultima risorsa dovrebbe dimostrare l'allenatore. Se mostro ciò che penso che un attore dovrebbe fare, è privo di potere e se cerca di imitarmi, leggerà probabilmente false. Quindi, a meno che tu non sappia che il tuo attore fa meglio con una demo, prima prova a dare un feedback in modo da ottenere che l'attore sia qualcosa piuttosto che agire. Ad esempio, "Prova a non recitare, reagisci onestamente a ciò che è appena successo sul palco." Oppure, "Cosa pensi che il tuo personaggio provi in ​​questo momento?" O, "Che cosa vuole il tuo personaggio adesso?" "O" Vuoi provare un altro approccio? Questo è il momento di sperimentare. "Molto spesso, dico semplicemente," Provaci ancora ". Questo abilita l'attore e spesso viene fuori con qualcosa che funziona e su cui si sentiranno a proprio agio.

Volume ed enunciazione. Puoi fare un magnifico lavoro di recitazione ma se non sei abbastanza forte ed enunciato abbastanza chiaramente, è tutto inutile, specialmente in un live play, dove l'acustica può rendere difficile l'ascolto e soprattutto perché i drammi attirano una folla più anziana, il cui udito può non essere quello che era. Anche se bisognava bisbigliare una battuta, gli attori usano sussurri sul palcoscenico, sussurrando ad alta voce.

Quindi dalla prima sessione di coaching, insisto che l'attore parla ad alta voce e enuncia chiaramente. Questo è vero anche se verrà simulato: se l'operatore del suono può mantenere il volume più basso, suonerà più naturale. E se microfonato o no, l'enunciazione chiara è essenziale.

Prendi il ritmo. Molti cattivi attori parlano più lentamente di quanto non facciano nella vita reale. Lo fanno perché vogliono che il pubblico "ottenga" quello che stanno dicendo, perché pensano che sia più drammatico, o perché sono tremanti sulle loro linee.

Certo, ci sono dei momenti da rallentare, anche per consentire il silenzio, in modo che l'attore possa elaborare qualcosa di importante che è appena accaduto sul palco ma, generalmente, pur mantenendo il pieno contenuto emotivo di ciò che sta accadendo, il ritmo dovrebbe essere più veloce di molti i cattivi attori pensano. Un'eccezione potrebbe essere con il linguaggio e le idee che sono difficili da capire, ad esempio Shakespeare e Stoppard.

Mantieni la prospettiva . La maggior parte delle persone di qualità prende molto seriamente il proprio lavoro. E a un certo punto, è eccellente. Ma ricorda che la maggior parte del lavoro, anche nella recitazione, non è vita o morte. La prospettiva di conservazione può evitare che tu e il tuo attore veniate investiti in modo tale da trarre troppa tristezza o rabbia.

La biografia di Marty Nemko è su Wikipedia. Il suo nuovo libro, il suo 8 °, è Il meglio di Marty Nemko.