Edvard Munch, il più famoso pittore norvegese, in particolare per l’opera iconica “The Scream”, ha riferito di aver lottato con la depressione e l’ansia e il possibile disturbo bipolare. Ha subito diverse grandi tragedie all’inizio della sua vita, con sua madre e sua sorella che muoiono di tubercolosi quando aveva rispettivamente 5 anni e 14 anni; un altro fratello morì poco dopo essersi sposato e un’altra sorella lottò con la malattia mentale. Questi traumi hanno chiaramente influenzato i temi oscuri della sua opera durante il suo periodo artistico più noto, con le sue figure scarne e tinte di morte.
La durata della vita di Munch getta un ponte sui cambiamenti cataclismici dal vittoriano al modernismo, così come la sua versione unica dell’Espressionismo. Il suo periodo fin de siecle più fertile e probabilmente più visionario, la serie “Frieze of Life”, delinea quasi fumettosamente le ansie più oscure della psiche umana. La franchezza di per sé è una dichiarazione devastante; lo Scream è l’icona esplosivamente letterale dell’angoscia moderna, prima che esistessero tali espressioni letterali. Purtroppo è imploso nel suo stesso impatto; il modernismo ironico post-post ha reso l’urlo un “eroe” involontariamente esilarante del nichilismo a cui siamo diventati insensibili in questa era di lunga vita e di vita rapida e di facile accesso. Ma quando lo Scream è nato per la prima volta, non era una questione da ridere.
Una retrospettiva MOMA del lavoro di Munch trattenuta nel 2006, si è attenuta alla cronologia dello sviluppo di Munch, parallelamente alla stessa coscienza storica. Questa narrativa di dipinti ha portato nuove intuizioni che non ho notato quando ho visto una serie variegata di suoi capolavori e disegni nel Munch Museet e National Gallery di Oslo, Norvegia nel 1996. A Oslo l’arte ti ha colpito con il suo impatto fresco e i suoi colori audaci, orrori dell’anima e desideri torturati. Il famoso originale Scream era seduto in una stanza di altri dipinti casuali in una piccola stanza dignitosa; l’opera iconica era coperta da uno spesso vetro e da una vecchia cornice. Era tornato di recente dalla terra dei ladri e sembrava ancora più soffocato e intrappolato dietro le rigide bardature. Per non essere da meno, i ladri alla fine hanno rubato un’altra copia dal Munch Museet nel 2006, che è stata recuperata due anni dopo.
Nello spazio vuoto del MOMA alto, i dipinti apparivano stranamente persi e tuttavia anche abbastanza interessanti perché, ancora una volta, la qualità di collegamento del suo stile riecheggiava in modi interessanti che nemmeno Munch avrebbe mai potuto prevedere, proprio come il destino di Scream. Ci furono alcuni primi ritmi nelle tecniche impressioniste, persino il pointillismo in stile Seurat durante i suoi primi anni ’20, placide scene di città vittoriana e ritratti dipinti anche allora con una certa impazienza e instabilità di linea, come se il cambiamento di fase stesse già iniziando a tremare sotto indicazioni stabilite. Rapidamente nel 1890 il suo marchio di fabbrica esplose, le figure macchiate, quasi goya, si appiattirono nel suo serraglio scandinavo di simboli. Strazianti scene dolorose e traumatiche della sua infanzia e fallimenti romantici si sono diffuse attraverso grandi tele. Ombroso, mistico, simbolista e totemico, ma anche sorprendentemente ovvio e aperto. Il film horror moderno inizia qui con immagini di morte scarne e con la faccia da teschio; entrambe le vere scene della sua sorella morente e scene di madre e fantasma di persone a caso in città, case rurali, foreste, nessuna fuga dal Grim Reaper. Lo spettro del lungo inverno freddo permea anche i brevi scorci di sole e la vita potenziale in un dipinto di una giovane coppia di contadini, fatto con i colori del crepuscolo e del crepuscolo imminente, o di una ragazza che canta in un lago illuminato dalla luna. Le scene d’amore sono piene di desiderio non corrisposto, volti che si allontanano l’uno dall’altro. Le donne sono sempre ritratte in vari stati figurativi; spettrale, sognante, innocente o vampiresco. Sono sempre effimere, svaniscono, ma le loro impronte sono vivide, più grandi della vita.
Munch fu ricoverato in ospedale per un esaurimento nervoso intorno al 1908. La sua arte post-scomposizione, mentre era considerata meno famosa e visionaria della sua opera di Frieze of Life, è affascinante da osservare nella sua evoluzione nel XX secolo. I colpi divennero più frammentari, vacillanti, come se avessero raggiunto una nuova frequenza di energia. I colori sono diventati notevolmente più luminosi, più ottimisti. I suoi soggetti tendevano ad essere più scene quotidiane di natura o ritratti. Passò oltre il buco nero, l’intensa densità della sua tragica “adolescenza” in un nuovo stato mentale scheggiato e luccicante. I suoi autoritratti riflettevano questo viaggio, passando da intriganti cammei oscuri nei suoi primi lavori a visioni schiette di se stesso nell’Inferno, e poi a rendimenti più calmi, maturi e concreti. Il suo ultimo autoritratto era il suo ultimo capolavoro, un riassunto della residenza dell’artista e, a sua volta, della sua intera carriera, una stanza luminosa e gialla, stretta e profonda, dove si trova nel mezzo, vecchio ma incrollabile, con la testa rovesciata nella sua stile di marchio di fabbrica, di fronte allo spettatore e anche oltre, come la ragazza della Voce.
In qualche modo nel mezzo di un intenso dolore e morte, e delle sue stesse lotte con la malattia mentale e l’alcolismo, Munch riuscì a sopravvivere con una certa fama di artista longevo, riuscendo persino a sfidare il sipario nazista che cadeva. Survival genera una sua affermazione. Aprì la porta all’era moderna, e invece di Pandora’s Box, trovò la luce bianca dell’evoluzione personale.
