L’arte visionaria di Yayoi Kusama

L’arte di Kusama ci insegna come vivere.

Alcuni artisti sono davvero in anticipo sui tempi e, come tragicamente visto nel caso di Vincent Van Gogh, la loro fama si manifesta postuma dopo una vita di dolore, incomprensione e povertà. Altri ricevono fama e fortuna troppo rapidamente, quando sono troppo giovani per controllare la diffusione del loro talento e cadono in preda a una serie di influenze tragiche (come con Jean-Michel Basquiat). Altri sono fortunati, spesso in linea con alcune influenze dell’establishment per aiutare il loro potere, come denaro precedente o legami familiari, o sono abbastanza esperti ed egoisti per controllare il loro potere.

Infinity Room

Fonte: fonte: Jean Kim

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La storia di Yayoi Kusama non è una di queste narrative, ma una miscela di alcuni, e in definitiva, incoraggiante. Ha seguito la formazione artistica fin dall’infanzia, avendo già sviluppato il suo marchio “infinity net” a 10 anni, ma contemporaneamente nel contesto di primi segni di psicosi e allucinazioni mentre la seconda guerra mondiale infuriava. Ha avuto alcuni anni di fama nei suoi vent’anni, essendo stata ispirata a trasferirsi in America nientemeno che Georgia O’Keeffe, che ha gentilmente risposto a una lettera in cui chiedeva consigli su una carriera artistica. Negli anni ’50 e ’60, riuscì rapidamente ad unirsi al movimento delle avanguardie a New York City e si unì ad altri capolavori artistici come Eva Hesse, Donald Judd, Joseph Cornell e Andy Warhol. Nonostante queste connessioni, ha lottato finanziariamente e con malattie mentali, portando a diversi ricoveri e un eventuale ritorno in Giappone nel 1973.

In Giappone, è diventata residente a lungo termine presso il suo istituto psichiatrico (anche considerando la sua residenza volontaria fino ad oggi) e ha continuato a produrre numerose opere d’arte. Ha citato l’arte come ciò che le ha salvato la vita. Poi la fama ha colpito nel 21 ° secolo.

L’arte di Kusama, con elementi di espressionismo astratto e arte concettuale, ha iniziato a prendere piede negli anni ’90 negli anni 2000, poiché le sue immagini altamente grafiche, colorate e un po ‘futuristiche si allineavano in qualche modo con lo spirito del tempo di Internet. È esplosa con la disponibilità di Instagram delle sue Infinity Rooms: l’ultimo concetto di selfie concepito decenni prima del selfie. Queste stanze sono piccole camere autoportanti per specchi, che consentono allo spettatore di perdere simultaneamente la propria identità e il proprio senso di sé nell’infinità di un’immagine ripetuta che evoca l’universo, ma anche di sentirsi stranamente intimo e insieme a se stessi dato l’unità con quell’immagine ripetuta all’interno di uno spazio tranquillo. L’idea divenne uno specchio letterale della crescente ripetizione di selfie distribuiti rapidamente in tutto il mondo attraverso i social media, e il senso di autoespansione simultanea ma autodisintegrazione causata dalla perdita della privacy e dall’ampia distribuzione.

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Questa brillante concezione probabilmente derivava in parte dalla sua malattia mentale; anche se la sua diagnosi specifica non è stata descritta, nota un corso di sintomo per tutta la vita coerente con la psicosi e la possibile schizofrenia, che comunemente è associata a allucinazioni e problemi con la disintegrazione del proprio sé e dell’identità, portando all’ansia e alla paranoia. (Un sintomo comune è l’inserimento e la proiezione del pensiero, in cui si perde la percezione che i propri pensieri siano o propri o siano stati piantati lì da altre persone, o che siano inviati agli altri in una forma di comunicazione universale.) La sua arte era un modo terapeutico e ingegnoso per riconsolidare quella paura della disintegrazione, inserendola in immagini belle, audaci e creative che effettivamente comunicano con tutte le persone. Il senso di auto-obliterazione e ripetizione, invece di sentirsi spaventosi, è infuso di bellezza, e spesso un delicato mix di gioia e tristezza: centinaia di zucche ardenti o votive in una stanza buia evocano calore e meraviglia ma anche solitudine e mortalità. La realtà quotidiana è sempre in pericolo di confondersi nell’infinito; questa intuizione fornisce un profondo senso di profondità dietro la nostra apparentemente banale esistenza quotidiana. Tutto è connesso, il che rende il senso del potere ma anche la fragilità, poiché il tempo significa che la connessione è tenue e in continua evoluzione, sempre ripetuta. Esiste una concezione simile alla meccanica quantistica al modo in cui l’arte di Kusama presenta luce, colore e immagine come nubi di rappresentazione fluide e ripetitive. C’è anche un senso sottovalutato del divertimento infantile e dell’innocenza alla sua arte; il bambino vede queste realtà con una innocente curiosità, una novità che può aiutare a temperare il senso di irresolutezza e confusione e oscurità dietro queste idee. Le sue esposizioni sono spesso interattive, incoraggianti del gioco, in cui tutti incollano adesivi con punti colorati ovunque in un salotto bianco. Va bene non conoscere o capire completamente tutto nell’universo; puoi semplicemente essere aperto all’aspetto. L’ammirazione può sostituire la paura.

Le mostre di Kusama ora sono accolte da enormi file pesantemente irreggimentati dai limiti di tempo, con biglietti che si esauriscono in nanosecondi via Internet. Sembra che si stia godendo il suo nuovo status iconico alla fine degli anni ’80, partecipando prontamente a interviste con capelli e abiti color neon. Un nuovo documentario su di lei è stato recentemente pubblicato. Ha perseverato e catturato una fonte di giovinezza nonostante le sue lotte. Il tempo per lei ora è un giocattolo a pois.

Riferimenti

https://www.theguardian.com/lifeandstyle/2016/may/21/yayoi-kusama-interview-artist